DIÁLOGOS POSTMODERNOS

Dos discos y unos premios que…

Hola y bienvenidos a esta experiencia donde una breve parte del mundo sonoro converge. Esta vez traigo para ustedes dos discos que apenas hace unos días escuché y me dejaron un grato sabor de boca.

Track 01 (con scratch)

 "The best of Henry Mancini" El título lo dice todo. Uno de los grandes genios de la música escrita para cine de toda la historia. Disco lleno de emociones, impacta de manera increíble porque cada uno de estos cortes es un clásico en sí mismo.

Mancini es reconocido por la música de la Pantera Rosa, aquella cinta del ’63 dirigida por Blake Edwards, donde Peter Sellers, en el papel del inspector Closeau, trata de resolver el caso del robo del diamante llamado "The Pink Panter" (el antagonista: ¡David Niven!). Tras el éxito de la cinta se vino una segunda parte: dibujos animados que nada tienen que ver, pero en todas ellas la música de Mancini es fundamental. Incluso en uno de los episodios de "El show de la Pantera Rosa", tras una hilarante rutina, la pantera logra apoderarse de la batuta para interpretar una muy movida versión del tema para Henry Mancini, quien aplaude, solo, en las butacas del Hollywood Bowl.

En este disco aparece también "A shot in the dark", el tema del inspector para los dibujos animados (hay que recordar que Mancini hizo tres tracks para la película original, en este álbum sólo aparece "The Pink Panter Theme"). El disco corre sin altibajos, 24 tracks de pura emoción con el tema de "Breakfast at Tiffany’s" como para ponerle a uno a tono, y luego el clásico "Moon River", "Días de vino y rosas", protagonizada por Audrey Hepburn (no se pierdan la escena en la que la bellísima Audrey canta este tema sentada en la ventana de su apartamento).

Y luego, una cascada de recuerdos: "El amor es una cosa esplendorosa"; "Love story"; "The summer knows"... tantas y tantas... puede incluso que parezca que peque de cursi o de kistch en momentos. Pero no fue culpa de Mancini, sino de la repetición ad-infinitum de muchos de estos temas. Ahora que ya han pasado de moda uno puede sentarse a disfrutarle... incluso a utilizarlo como paisaje sonoro para la seducción.

No, no es un disco de música de cine solamente. Hay una extraordinaria muestra de la capacidad de Mancini para los arreglos y el jazz (sólo escuchen "Peter Gunn" o "Experiment in terror").  Mancini fue nominado 17 veces a los premios de la Academia (los Oscar, cuando valían algo) de los cuales obtuvo cuatro. Es ganador de 20 Grammy (cuando valían algo) y un Gold Globe Award (...)

El álbum fue editado en 1997, tres años después de su muerte, es parte de la extensa cantidad de recopilatorios que existen sobre el trabajo del autor, me parece que esta es la más completa que puede integrar un disco compacto. El arte de la portada ha cambiado en sus constantes ediciones, así que es probable que le encuentren con la fotografía de Mancini batuta en mano, dando la espalda a un colosal candelabro, aunque también hay otra con una foto de Audrey Hepburn con su vestido negro de "Breakfast at Tiffany’s" con un backgroud púrpura y otra donde la misma Hepburn, cigarrillo en ristre, comparte la portada con... la Pantera Rosa.

Track 02

Qué grato es oír el broche de oro de una carrera legendaria sin que pierda coherencia, y esto lo logra el maestro Willie Colón con su disco "El Malo. Volumen II, Prisioneros del mambo".

En 1966, Willie Colón presentó su primer disco, "El Malo", en el que dio a conocer a la leyenda de la salsa: Héctor Lavoe, "El Cantante". Todo bajo el apoyo de Jerry Masucci y la disquera Fania.

Hoy Fania no existe; Masucci y Lavoe han muerto y, tras una carrera de más de 50 discos, Willie Colón se despide con este material. Coherente, capaz de sorprender aún con su música. Las grabaciones incluyen el carácter bravo de la salsa de Colón, con una historia impresionante y con algunos retratos de la cotidianidad latinoamericana (el track tres, "Narcomula", por ejemplo), el meedley de Lavoe que... mejor paso a un index.

Track 02, Index 01

Pudo parecer que hacer un medley de homenaje al Cantante era un mero oportunismo, pero hay que recordar que estos cortes fueron arreglados por el mismo Colón, estos números no sólo impulsaron la carrera de Lavoe, si no la del Malo también. Y lo más sorprendente es que termina cantando "El Cantante" el número que Ruben Blades (ahora enemistado con Willie) le escribiera a Héctor para su legendario disco "Comedia" de 1979. Ya existe, pues punto de comparación entre los monstruos con este corte -dejemos a un lado la versión de Marc Anthony- 

Track 02, Index 02

La banda de Colón, Legal Alien, rescata el sonido de salsa brava neoyorkina (cosa que pocos han logrado, entre ellos Oscar Hernández, con su Spanish Harlem Orquestra), pero permite experimentar. Ah! Y hay que referir los curiosos "Intro con Polito" y "Pesadilla en el club Riviera" donde uno no se puede imaginar que toda esa colección de sonidos pueda integrar un álbum de salsa.

Destaca también "la mala situación" (en medio de la crisis) "...Yo he trabajao de día, forzao de noche, doblao y no hay manera que rinda el sueldo... Que el sacerdote viva del diezmo que da gobierno y la secretaria viva del jefe que la mantiene, ahora comprendo... y el diputado viva del sueldo que da el Estado y la Policía viva del guiso con la matraca, ahora comprendo. Y yo fregao, desguañangao, por ser honrao, que injusto es esto..."

En fin... El álbum vio la luz en noviembre de 2008, lástima, porque la salsa padeció el año pasado y ni siquiera Gilberto Santarrosa le pudo dar algo verdaderamente bueno... y luego le dan el Grammy a José Feliciano (¿qué se creen éstos?)... sin embargo, para el que escucha y pa’l que baila, este disco está para no perdérselo y ponerlo ahí en la pachanga (y no perderle la vista porque vuela). Al final puedo decir que tras el anunciado retiro de Colón, es este disco el que necesitábamos para poder decir una vez más ¡que viva la salsa!

Track 03

Ya no puede uno creer en nadie, es claro que esa farsa, esa charada llamada Grammy es una falta de respeto a la música, todo está en crisis ¡caramba!

Eso de darle a Springsteen el reconocimiento no está tan mal, qué buen manager tiene el boss que lo pone en el medio tiempo del Super Bowl y luego, a las dos semanas, le dan el Grammy, ¡bah!... luego el "Viva la vida!" también se llevó el premio, cosa de puro alegato comercial.

Pero en la música latina sí es para morirse de risa. Está bueno que la caballada está flaca, pero... ¿Jaguares?... no me atrevería a decir que hubo mejores discos de rock en la escena latina, pero hasta Café Tacvba tuvo un mejor disco (claro, el Grammy ya se lo han dado a ellos). Juanes es el mejor artista latino del año (yo no lo creo, pero los de la academia no viven en México, ni en Buenos Aires, vaya, ni en Bogotá) y lo que ya comenté, el mejor disco tropical, "Señor Bachata", del invidente norteamericano José Feliciano... en Kansas debieron haber hecho fiesta.

Track 04

Lo que se viene.

Que Rubén Blades sacará disco en abril: "Canciones para el subdesarrollo", con Cheo Feliciano. Después de seis años sin material, el ex ministro de Turismo de Panamá quiere responderle a su "ex amigo" Willie Colón. Ojalá el poeta se destape. Por cierto, "Canciones del subdesarrollo" fue un proyecto que Blades financió en 2004 y puso a libre disposición en Internet.

Dice la revista Rollings Stone Latinoamérica que quien viene con nuevo material es Roberto Carlos, el ídolo brasileño vuelve acompañado por Caetano Veloso con un homenaje al maestrazo Antonio Carlos Jobim; la grabación se realizó en directo el verano pasado... En Brasil se ha editado con un doble pack CD/DVD

El 27 de febrero se estrenó el nuevo disco de U2, "No Line on The Horizon"... la cuenta regresiva ha iniciado.

Bonus Track

Murió el pasado 15 de febrero Joe Cuba. Figura indispensable de la música Nuyorican. Descanse en paz, maestro.

El capítulo siete de la temporada cuatro de los Simpson, "Marge consigue empleo", muestra lo que he bautizado como "el síndrome del Sr. Burns". A continuación trascribo el diálogo que me llevará a comentar tal circunstancia:

Marge: "¿Quería verme señor Burns?"

Sr. Burns: "La verdad quería ver si quería tener una reunión conmigo esta noche: cena, baile y el señor Tom Jones"

Marge: "¡Oh, válgame Dios!, mi esposo se va a emocionar mucho"

Sr. Burns: "Usted, ¿tiene esposo? Sí, ya lo imagino, fuerte, guapo, un suéter sobre los hombros, rizos dorados brillando al sol como oro... -imaginando a Homero y Marge en un convertible rojo. (Marge: ‘Homero, el señor Burns me dio otro aumento’... Homero imaginario: ‘jajaja... ese viejito tonto’)-. ¡Está despedida!"

En esas tan usuales pláticas y referencias de los Simpson con nuestra vida habitual, en alguna ocasión Fernando Manzanilla y yo nos mofábamos de nosotros mismos cuando veíamos a una mujer muy guapa y fantaseábamos con cortejarla, pero inmediatamente nos venía el pensamiento de que nosotros podíamos ser poca cosa para el novio verdadero de la pretendida fémina; así, nos confinábamos en nuestra realidad. La autoestima parece jugar un papel muy importante en este caso y, a la vez, la infaltable comparación con nuestros congéneres. Asimismo, la idea usual de la coexistencia casi ineludible de dos personas atractivas. 

Es claro que hay mujeres hermosas y que nos gustan inmediatamente, y ante esa idealización pensamos que sólo un hombre "fuerte, guapo, con suéter sobre los hombros, rizos dorados brillando al sol como oro" puede ser digno de ella, características totalmente ajenas a muchos de nosotros y, por lo tanto, pensamos que nuestra pretensión y humilde muestra de amor es risible y causa de lástima, cosa que también me recuerda otro capítulo cuando Rafa se enamora de Lisa y, durante el especial de Krusty por el Día del Amor y la Amistad, ella le grita "nooo, sólo te di esa tarjeta de Día de San Valentín porque me diste lástima". Retomando la idea, nos compadecemos de nosotros y hasta nos burlamos de lo que pensamos y sentimos castigándonos con la frase: "jajaja... ese viejito tonto".

Sólo en el momento en que enfrentamos esta situación en la vida real es cuando sentimos un peso sobre los hombros, nos mostramos dubitativos, cargando depresión, pero es entonces cuando la frustración, la irritación y el deseo de venganza emerge y entonces tratamos de defendernos diciendo cosas como: "caray Marge, mira cuántas moscas vuelan a tu alrededor, eres una mujer sucia, jajajaja"; tal como lo dijo Burns dibujando bigotes, barba y cuernos en la televisión en donde se mostraba Marge captada por la cámara de vigilancia. Entonces sentimos nuestra dignidad recuperada, tratando de hacer volver la estima con nuestras mejores cualidades, que en el caso del más acaudalado personaje de la adorada serie televisiva, una de sus mejores intervenciones es cuando denigra a los demás, con sed de venganza y la ‘maldad’ anteponiéndose a cualquier afecto arrebatado.

Es obvio que el atribulado, rencoroso, irónico y divertido (para sí mismo) ser que aquí escribe le ha pasado algo semejante a lo que aquí plasma. Viniendo al caso, comento que mi experiencia se refiere a que efectivamente me sentí como un "viejito tonto" al sentirme atraído por una mujer más joven, lo peor de todo es que no tengo el dinero del señor Burns, ni la oportunidad de despedirla ni de pintarle atributos chuscos a su imagen; pero sí es un buen momento de reflexión sobre los alcances del deseo, del aglutinamiento de cualidades proyectadas y de la sed de necesidades afectivas. Emergen a la vez los sentimientos más filiales, el sublimado impulso de proteger y de guiar, una emoción pura que parece amor verdadero, vuelven los sentidos poéticos de palabras dirigidas, pero sin negar las pulsiones básicas y placenteras del hombre. Esto me lleva a la resolución de este comentario.

¿Cómo acaba el capítulo? Si bien recuerdan, Marge le pone una demanda al señor Burns, la cual no va a ningún lado porque éste tiene un buffet de abogados que lo amparan ante todo. Al ver esto, Homero le reclama:

Homero: "Sr. Burns no me voy hasta que me diga que se arrepiente de lo que le hizo a mi esposa"

Burns: "¿Usted la quiere también?"

Homero: "¡Por supuesto!"

Burns: "Homero, quiero que dé a esta mujer un momento fantástico"...

Marge y Homero acaban escuchando a Tom Jones sólo para ellos; pues bien, algunas veces, en vez de saciar nuestro deseo de venganza, acabamos haciendo algo por esa mujer sin que nosotros tengamos algún beneficio. ¿Qué lectura podemos hacer del final de ese capítulo? Tal vez que Burns, además del "corazón de perro" que tiene -como dice la canción en la que Tito Puente tocó los timbales-, le sobrevive algo de altruismo como también lo ha mostrado en otros capítulos, aunque siempre tenga un grado de conveniencia o mentira ("cuando un cerdo vuele"); pero a la vez, se puede mostrar que mediante ese acto, él muestra su poder (narcisismo) y su influyentismo, dando una pequeña muestra del mismo haciendo que el tan afamado artista favorito de Marge cante para ella, así, se repara esa herida que se abrió al no ser correspondido su amor. Podemos pensar que el amor más grande es aquel que es desinteresado y podríamos pensar que Burns quiso complacer a Marge, aunque no obtuviera nada, pero por otra parte, cuando no obtenemos la correspondencia del ser amado, lo que nos queda es remitirnos a nosotros mismos, a nuestro amor personal, el cual expresamos por el solo deseo de reevaluarnos.

Por Wilberth Herrera

Porque el horror nos paraliza, porque nos muestra dos vertientes: la vida y la muerte, pero, ante todo, nos asombra.

Las películas de horror son (y siempre han sido) una fascinación ante todo. A diferencia de otros géneros, el horror encuentra un escollo profundo en el ser y se erige como un género indispensable.

En estos tiempos, quizá por la ya en picada ola de terror asiático, el cine de horror-terror ha encontrado un aire nuevo, un resaltado ambiente. Atrás quedaron los 80’s con su genial producción de películas del denominado género de  espantos, y hoy más que nunca se reviven nostálgicamente con remakes algo tambaleantes. Tal vez se trate de una generación que está llegando a la madurez y en el recuerdo encuentra su alegría. Pero lo que sí es un hecho es que existen paradigmas que hoy en día se respetan.

La gran producción de películas de horror ha quebrantado los límites de las generaciones anteriores y subraya el gore para presentar su producto. Lamentablemente, el abuso es un mal que viene con este mismo tiempo y, muchas veces, el gore es sólo un gancho para ver ciertas películas carentes de ambiente e historia. Volviendo hacia atrás en el tiempo, uno encuentra que el gore era un elemento más sutil, un factor para despuntar un tema.

Dentro de aquellas películas que marcaron un hito, muy pocas pueden contener dos elementos contradictorios (ser un modelo exitoso y mantenerse como una película de culto). Holocausto Caníbal es una de esas películas que mantienen ese maravilloso dilema.

Es verdaderamente glorioso ver que una película tan controvertida no tenga los alcances de ser conocida como otras películas populares como Masacre en Texas o Viernes 13. Es como que se recuerde sólo porque tuvo (tiene) problemas con la ley, pero que en sí esa película es dadora de influencias.

Holocausto Caníbal es una película clasificada como terror, aunque yo difiero de eso. El género tendría que ser horror y nada más, terror son Viernes 13, Evil dead o Scream. El terror te hace saltar, el horror te asombra, te paraliza.

Holocausto Caníbal fue lanzada en 1980 y, desde la presentación, tuvo críticas dispares. Por un lado, tuvo buenas reseñas por directores reconocidos y, por otro, las revistas y críticos la despedazaron. Tal vez son estas últimas las que les dieron cierta popularidad escondida. Y es que el horror y el gore son así (elementos tan entrañables entre sí que muchas veces el horror necesita del gore para lograr su cometido), necesitan lograr una atracción casi prohibida; es parte de la naturaleza de ese sentimiento que tenemos ante lo repulsivo. Pero no sólo se quedó en las críticas. No. Esto llegó a un plano jurídico. El mismo Sergio Leone, creador de Once upon a time in America, Sodoma y Gomorra y la inolvidable El bueno, el malo y el feo, le mandó una carta al director de Holocausto Caníbal, Deodato, donde le dijo: "Querido Ruggero, ¡qué película! La segunda parte es una obra maestra de realismo cinematográfico, pero todo parece tan real que creo que te meterás en varios problemas". Y así fue.

Primero, todo era tan real que Deodato tuvo el mismo problema que Hideshi Hino con sus series de Guinea Pig: su cinta fue llevada  a juicio por ser considerada snuff. Creyeron que los actores en verdad habían sido asesinados y que una mujer había sido empalada (la de la portada). Así que la película fue confiscada diez días después de su estreno en Milán y Deodato fue arrestado.

Dios juega bien y nos hace quedar en ridículo, pues resulta que, después de terminar la película, los actores que la habían pasado mal, firmaron un contrato en donde no aparecerían por ningún motivo, ni en presentaciones ni en comerciales por un año, desaparición que para la corte pareció una sospecha macabra. Al final, todo se comprobó, se mostraron los contratos, los actores y el cómo se simuló la empalación, porque la mujer  que utilizaron era una joven extra que no fue encontrada. Los cargos de homicidio sobre Deodato fueron retirados. Sin embargo, la matanza de animales siguió en pie porque en realidad sí fueron asesinados.

Pero mencionemos a los actores que aparecen en la película. Primero, el director es Ruggero Deodato, el guión es de Gianfranco Clerici y Giorgio Stegani y la banda sonora de la película fue compuesta por el genial italiano Riz Ortolani. En cuanto a los actores, Deodato contrató a pura gente egresada del Instituto "Strasberg": Luca Barbareschi, Perry Pirkanen, Carl Gabriel Yorke y Francesca Ciardi.

Debido a lo fuerte de la película, los actores empezaron a sentirse presionados, pues muchas veces no querían hacer una escena y Deodato los llevaba hasta el límite para que aceptaran; al respecto, Carl Yorke menciona que el set era un nivel de crueldad desconocida para él. El punto que Yorke no pudo aguantar es cuando Deodato le ordenó que matara a un cerdo; se negó y Luca Barbareschi tuvo que hacerlo. Los actores se opusieron a la muerte de los animales, pero su petición no cedió. Esto ocasionó muchos problemas para ellos, como Perry Pirkanen, quien quedó muy afectado por la parte en donde matan a una tortuga, una de las escenas más escalofriantes del cine de horror de todos los tiempos.

Otra persona que sufrió mucho fue Francesca Ciardi. Ella se negó a ciertas instrucciones que Deodato le hizo en la magnífica escena de sexo con Carl Yorke. Esta parte es una joya, es una de las escenas más apocalípticas que se han realizado. En ella se ve a Carl y a Francesca en un momento de éxtasis, mientras quemaban las cabañas de los aborígenes y, entre ese festín diabólico, tienen sexo con el fuego a sus espaldas como un marco horripilante.

Holocausto Caníbal es, y siempre será, un referente. A pesar de la clara aportación que le hizo al cine, con su estilo documental que dio luz a películas como el Proyecto de la Bruja de Blair, Cloverfield y REC, Holocausto... se erige como un parteaguas del gore. Su difícil digestión, sus imágenes chocantes, su música adherente y sus símbolos sublimes nos dejan ver una verdadera joya del cine de culto.

Bienvenidos a esta edición extra de adicción sonora... U2, "No line on the horizon".

Track 01

Desde que los primeros sonidos del álbum se escuchan, caemos en cuenta de estar en presencia de un disco obligatorio. Con un sonido muy correcto, la banda da a sus seguidores más de lo que los tiene acostumbrados; el primer track deja claro quiénes están interpretando.

El disco es "el mejor de la banda", según palabras de The Edge; sin embargo, para el escucha sería un tanto difícil asegurarlo tras 12 discos. Probablemente No line... reúna toda la experiencia de los álbumes de U2, pero no se parece a "Zooropa" ni a "Pop" y  conserva el carácter de "All that you can’t leave behind". Con el personalísimo sonido de las guitarras del mismo The Edge (y sus pedales), y la voz eterna (etérea, a veces, o deja ecuté, en otros momentos) de Bono.

Track 02

Es muy interesante la propuesta del álbum, desde la portada con la fotografía en blanco y negro del artista japonés Hiroshi Sugimoto, la frontera entre el cielo y el mar, difuminada, es la décima fotografía monocromática en una portada de U2 y, por lo menos en la edición irlandesa, no contiene ningún texto.

Tras superar el tropiezo inicial de la selección de su productor, Rick Rubin, con quien produjeron algunas canciones (que no se incluyeron en este álbum) se hicieron del trabajo -una vez más- de Brian Eno, Daniel Lanois y Steve Lillywhite. ¿Qué tan bueno fue esto? Pues cinco años después la banda vuelve.

Track 03

Quien espera que los irlandeses ofrezcan algo nuevo, se va a llevar un chasco. "No line on the horizon", "Magnificent", "Moment of surrender", "Unknow caller" pudieron incluirse en los dos discos anteriores y, si me apuran, esta última pudo caer perfecta en el álbum "Zooropa". Y estamos hablando de los cuatro primeros tracks.

¿Por qué? Tal vez el hecho de ser considerada una de las pocas bandas auténticas de nuestros días le caiga de mala forma a estos señores y me da la impresión de que repetirse es una manera de seguir vendiendo. Arriesgarse a estas alturas, ¿para qué?   

A lo mejor quisieron hacer algo de eso (arriesgarse) con "Stand Up", con su desde ahora célebre frase "Enfréntate a las estrellas del rock", en un gesto de arrogancia propio de Bono. O su hartazgo ante el hecho de ser interlocutor de causas varias: "no quiero hablar de las guerras entre naciones / No en este momento", dice en "Get on your boots"... tracks donde se visualizan como estrellas de rock de estadio, tal vez como Lenny Kravitz (ese sabor de boca deja de repente).

Después de los tres capítulos inicales de la sección política "Juguemos a engañar", Fernando Cab regresa a la carga en esta segunda fase del camino a la gubernatura del pequeño "twin peaks" mexicano: Campeche. El nuevo nombre de la sección consideramos que es más adecuado y acorde a las circunstancias políticas actuales de este estado, que bien pueden adaptarse a las de cualquier otro de México.

La unidad tricolor

Por Fernando CAB PÉREZ

En la historia, poderosos regímenes colapsaron porque, progresivamente, el consenso político interno que permitió conservar su hegemonía sobre el resto de los grupos sociales, fue debilitándose. Mientras los intereses de cada una de sus partes sobrevivían de manera armónica, eran capaces de mantener un claro dominio sobre la sociedad.

Sin embargo, después de gozar momentos esplendorosos, las relaciones entre sus elementos constitutivos entraron en fuertes confrontaciones. Los problemas de las clases dirigentes fueron deteriorando los controles políticos sobre la población y, por ende, ya no eran capaces de construir sistemas políticos cohesionadores, que garantizaran su continuidad en el poder y reforzaran la sujeción de los grupos subalternos.

Desde luego, al margen de la experiencia de otros regímenes -los socialistas, por ejemplo-, que desaparecieron tras el derrumbe de su poder, el priísta es un caso excepcional. Posterior a su descalabro en las elecciones presidenciales, las claves para comprender la sobrevivencia del antiguo partido hegemónico las encontramos en su capacidad para construir acuerdos.

Estos acuerdos, tanto en la casa partidaria como fuera de ella, han generado los mecanismos necesarios para mantener vigente su composición corporativa, a pesar de perder la rectoría de la Presidencia de la República. Las entidades donde los gobiernos de sello priísta todavía imponen su dominio, resolvieron con eficacia la ausencia de los designios presidenciales, con base en el consenso. De esta manera, se consolida un bloque compacto con miras a los próximos comicios.

En lo particular, en Campeche está uno de los sintomáticos casos de esta hábil estrategia. Es importante reconocer la asombrosa capacidad de negociación que tienen los priístas campechanos. Los diversos intereses en conflicto en los escenarios electorales son inmunizados cuidadosamente mediante inteligentes arreglos cupulares. Frente a la mirada pública, esta situación se presenta con mucha solemnidad bajo el nombre de "la unidad tricolor", que no es más que el consenso de los grupos poderosos para seguir dominando con armonía.

En términos mediáticos, las recientes declinaciones de los precandidatos a favor de Fernando Ortega Bernés también tienen una fuerte carga emocional en la sociedad campechana, porque, lejos de producirse una crisis de autoridad, aquella concibe la idea de la unidad como una muestra de madurez política, es decir, para las mayorías, las fuerzas priístas exhiben sus fortalezas, no sus debilidades.

Los tricolores edificaron un consenso interior, al tiempo que amarraron una alianza táctica con la población subalterna que, observando las acciones de los dirigentes priístas, acentuaron el respeto y la obediencia hacia estos. La candidatura a la gubernatura está resuelta a favor de Ortega Bernés, y continurán los demás puestos de elección popular, como las presidencias municipales, las diputaciones locales, federales, entre los más importantes.

Hace unos meses, imperaba la incertidumbre en torno a la lucha por la Gubernatura; luego sobrevino el consenso tricolor, que impidió una desgastante parálisis de grandes proporciones. El partido oficial tiene a favor: la chispeante reyerta interpanista, sus más cercano perseguidor en la competencia.

Elegir candidato de unidad fue la decisión más lógica, las preferencias arrojan luces positivas para el candidato de unidad, que se traducirá como una victoria este 5 de julio y, sobre todo, a mantener, mediante el consenso, la convivencia entre los distintos intereses políticos durante un sexenio más. 

Como muchos ya saben, la banda más importante del mundo de la última década está de gira por latinoamérica. Así es, Radiohead se presenta este 15 y 16 de marzo  en el Foro Sol de la ciudad de México, lugar donde aun se pueden escuchar el sonido de batazos que la selección de beisbol de Cuba le recetó a la de México.

Diálogos Postmodernos no sólo no podía dejar de  mencionar este evento sino que estará presente (esperemos) con corresponsales en las dos presentaciones.

Así que estén pendientes. Muy pronto la reseña de todos los pormenores de los conciertos que han levantado una gran expectativa entre los adictos a la música. No es para menos, tratándose de la banda que ha definido a toda una generació_n.

"This is what you get, when you mess with us". (Radiohead).

Nota introductoria y advertencia:

Lo que se escribe a continuación es el relato de diferentes circunstancias vividas en un periodo de tiempo, siendo sólo pensamientos sueltos acompañados de metáforas, recuerdos y cuestionamientos que se relacionan directamente con ese pasado. Las 14 secciones, así como el título del presente escrito, están basadas en el disco de Joaquín Sabina del mismo nombre; cada uno de los títulos de las canciones se usa para emprender la narración de una manera ordenada debido al disparate de ideas que le dan sentido a la estructura e idea original de este texto; pero lo que se dice no tiene relación directa con las ideas del compositor, así, aquel que haya tenido el privilegio de escuchar el disco no encontrará referencias exactas de los temas (sólo donde se indica), simplemente tienen relación e intención para el autor. Asimismo, se coquetea con experiencias generales que nos trae la vida.

Prólogo

"La melancolía cae a cuentagotas en el corazón", sí, como un suero que hace su acción sobre el enfermo; es común darnos cuenta que extrañamos un momento muy lejano y, de repente, viene a la memoria de una manera tan intensa que parece que se está de nuevo ahí. Antes de caer a los clichés cuando nos remitimos al recuerdo, me dirigiré por un camino que forro con canciones del disco "Dímelo en la calle", de Joaquín Sabina, que es el artífice de la inspiración presente. ¿En qué me excuso para retomarlo? Como lo dije en un principio, en la melancolía de otros tiempos. No quisiera ponerle el adjetivo de ‘buenos’ o ‘malos’ pero sí imperecederos.

1. No permita la Virgen. Cuando hice popular ese disco para mí, salía de la decepción amorosa de una mujer cuyo desdén no arbitraba la honestidad ni los porqués, simplemente era; y qué mejor cura para un corazón roto que elevar una plegaría a los dioses paganos de las canciones tratando de remediar la herida talando con versos de reproche los árboles del deseo absurdo que plantaron su raíz en un valle fértil.

2. Vámonos p’al Sur. Ya que se ha dejado metros atrás la primera tristeza, vuelven las ganas de vivir de nuevo tirando todo ‘al carajo’; y como buen sureño, me revuelvo con mis orígenes para cargar combustible y seguir enfrentando los embates de las circunstancias traídas por casualidad.

3. La canción más hermosa del mundo. Pude sacar en la guitarra esta melodía, que no siendo por muy poco la canción más hermosa de Sabina, se involucra con su nombre en los escaños de las expectantes emociones que encuentran una satisfacción en el baile de los acordes. De repente se vienen a la mente los excesos de toda una vida, de todo aquello que ha quedado atrás y de todo aquello que se quiere. Un momento de reflexión.

4. Como un dolor de muelas. Alcanzando un cuarto del viaje y ya abrazo la depresión. Es caer al fondo de una manera tan precoz que solía tomar mis sábanas y taparme, esperando dormir mucho antes de mi hora establecida. El silencio se percibía aún sonando la canción.

5. 69 punto G. ¡Lo esencial! Qué mejor para despertar, es tiempo de girar la cabeza encontrando veredas que llenen de excitación los momentos. Como dicen muchos: "hay cosas que van y vienen", y la ciudad se presta para buscarlas. Gran cantidad de situaciones coluden y nos ponen en el lugar y en el momento justo.

6. Peces de ciudad. Una de mis canciones favoritas ¡Qué tamaño de poesía!, y aquí, uno de mis mandamientos se publica. No hice caso del mismo hasta que lo comprendí ‘en carne propia’, y aunque no es mi credo retractarme de cosas vividas, sí puedo decir que ahora entiendo a lo que se refirió Sabina. Aquellos que hemos regresado al lugar donde antes hemos vivido, podemos recordar el ayer, esbozar una sonrisa y ver que ‘hoy’ todo es diferente. Ese, el lugar en donde dejé muchos amigos, muchos vicios, y un pedazo de corazón, sigue vibrando sin mí. "En Comala comprendí que al lugar donde has sido feliz no debieras tratar de volver".

7. El café de Nicanor. Una tacita de café, ¿Cuántas veces nos reunimos alrededor de una mesa vociferando los deseos de ocasión? Espabilarnos de todas aquellas cosas con las que habitualmente nos enfrentamos, repartiendo anécdotas, emociones, planes, y todo aquello a la mitad del sueño llega como un refresco que brinda la energía de un lobo bajo la Luna llena.

8. Lágrimas de plástico azul. Seguí con el afán del buen vivir, creyéndome un tanto más fuerte y ambicioso para enfrentar todo; y de repente, hago un ‘stop’, y me pregunto ¿qué de todo eso que he escuchado he entendido? Una clase, un reclamo, una petición, unas disculpas, la comprensión, un olvido, una llamada, unos cuantos miedos, locura, unas metáforas de un disco grandioso.

9. Yo también sé jugarme la boca. Una vez más un poco de melancolía para no desentonar, cantándole a todo, sabiéndome capaz de regresar las afrentas recibidas, un poco de locura provocada por tristezas y frustraciones; ese residuo de inmadurez que aún burla mis ganas de ser ‘grande’. Pero las cosas no son como parecen, ni siquiera son claras para la persona que las ostenta. Aún así, en mi pequeño recinto me creía un paria que no podía avejentar.

10. Arenas movedizas. Cuando hube habitado una pequeña habitación, solía tener ciertos rituales que no tenían pinta de tal, pero que los nombro así tiempo después. La ciudad siempre esperaba, había destinos fijos que cambiaban a suerte de una idea invasora que oportunamente jugaba a ganar. Por otra parte, los porqués de la existencia, las explicaciones a las cosas que no quería entender, y a veces no tenía otra salida que adaptarme a mi ‘estar’ con una seguidilla de pasos desordenados. Así era cuando hube habitado.

11. Ya eyaculé. Las variaciones son parte de la vida, y esta referencia jocosa a la eyaculación precoz con ritmo ‘afro-latino’ le pone una cara feliz al pastel de versos. ¿Y qué hacía entonces? Solo puedo remitirme a la vertiginosa vida que llevaba, aún así no era estresante, sino interesante, como una película que te mantiene al filo de la butaca, donde siempre quieres más, disfrutando cada segundo, cada cambio de clima.

12. Cuando me hablan del destino. Nunca me han dado ganas de ir a Italia, mas bien París es mi destino fantaseado predilecto. Los viajes; siempre hay algún lugar adonde ir, ya sea con slo 200 pesos en la bolsa y mi camisa por equipaje, o con la maleta llena de pensamientos y palabras. Hay canciones que simplemente te llevan a otras latitudes, así, sin dar explicación. Aquí le puse a la casualidad el traje del destino, y me puse como destino la Ciudad Luz.

13. Camas vacías. La embriaguez; no sólo nos emborrachamos con unos litros de alcohol, en ocasiones nuestra mente ya va borracha de sentimientos. Nos tiramos vorazmente a las cervezas, whisky, ron, vodka, tequila o brandy para acompañar al amigo que paga la última botella. Se vitupera a la mujer que empezó esta encrucijada maldita, pero que se disfruta con el masoquismo que todo alcohólico guarda en sus adentros. Y se grita al compás del compositor: "Y antes de que me quieras como se quiere a un gato, me largo con cualquiera que se parezca a ti".

14. Semos diferentes. Así es, "semos". Ya que ha pasado este raudal de eventos, nada más queda una salida en hombros, muchas veces sólo dormir esperando el día de mañana para escuchar a Audioslave, Foo Fighters, Cerati, Sting o, si la situación lo amerita, bailar al compás de Daddy Yankee o Paulina Rubio. Lo mejor era la aventura; jugar a crecer manteniéndonos jóvenes. Guardando la ambición bajo el colchón.

El título, el nombre de las 14 canciones (secciones) y las citas: "En Comala comprendí que al lugar donde has sido feliz no debieras tratar de volver"; e "Y antes de que me quieras como se quiere a un gato, me largo con cualquiera que se parezca a ti"; son autoría de Joaquín Sabina.

Las canciones del álbum pueden ser halladas en el siguiente link:

http://www.joaquinsabina.net/2005/11/01/dimelo-en-la-calle/

*Nota del administrador: Si bien el artículo podría incluirse en la sección "adicción sonora", a petición del autor, el texto se anexa como parte de "juegos de mente".

La previa

Después de meses, semanas y días de rebatiñas para conseguir boletos para el concierto, terapias de desensibilización sistemática, reservaciones de hotel y de andar cazando ofertas para vuelos de avión;  el domingo en la mañana está todo listo para comenzar la aventura bautizada por Wilberth Herrera como Jigsaw falling into D.F.

Justo a tiempo

5:40 p.m. Un avión despega con dificultades del aeropuerto de Mérida, con destino al Distrito Federal.  7:35 p.m. aterriza el avión que trae consigo a los cuatro últimos en llegar a la cita del concierto de Radiohead.  Paciencia, aún falta el hotel y luego la peregrinación hasta el Foro Sol. Apenas hace el avión contacto con tierra comienzan a llegar mensajes de texto para hacer aún más emocionante el momento. Emilio, quien estaba en el lugar del evento desde las 2 de la tarde, pregunta con preocupación: “¿llegaron?” y un insolado Omar, después del Pumas-Atlante, insiste “¿Dónde andan? Nosotros estamos yendo al Foro”. -Nosotros bajando del avión- le respondo.  A su vez,  un impaciente Ericel nos hace saber que nos está esperando en el hotel.

8:20 p.m. Una vez pasada la permeable aduana de la seguridad del OCESA, unos acordes que parecen ser los mismos de “Quen pompó” nos recibieron mientras encontrábamos nuestros lugares. Realmente se trataba de “TransEurope Express”, de Kraftwerk, emblemáticos pioneros de la música electrónica quienes ya tenían un rato de haber comenzado con el recorrido sonoro y visual de la historia del grupo.  Curioso detalle que incluyeran en su repertorio  material de cuando se encargaron de hacer el tema oficial de el Tour de France en su edición de 1983. Alcanzamos a ver y escuchar además  “Radio Activity” y “The Robots”. Debo decir que aún al más exigente seguramente Kraftwerk le hizo amena la espera para el momento importante de la noche.

8:55 p.m. Finaliza Kraftwerk su actuación. Dando paso al intervalo con un reggae para algunos  “minimalista” que no me desagradó en lo absoluto. Quizá porque por momentos me recordó a The Police, pero sin voz. Quizá por la buena vibra que se percibía, o por el buen humor de saber que se está a punto de compartir con personas muy importantes el concierto de la banda que nos había reunido para estar ahí. Reggae es alegría, es buen humor, es sinónimo de pasársela bien.  Con todo y que eso suene a comercial de cerveza. No fue coincidencia que la ola humana se levantara de ida y vuelta una y otra vez por las gradas de todas las secciones.

Primer round

9:30 p.m.  Se apagan las luces. Desde nuestra sección, naranja B (lejos, muy lejos), es difícil siquiera adivinar qué pasa en el escenario. No importa; las primeras notas de “15 step” lo borran todo, se acaba el reloj, inicia la catarsis total. “Es 15 step, es 15 step” les digo a quienes me acompañan en ese momento. Dos fanáticos de la banda a lado de mí se quedan viendo con cara de “¿De verdad? No me digas”. De inmediato, Gabriela toma el celular para informarles a quienes en ese momento se encontraban en otro lugar -en el concierto de Anneke- y que habían postergado Radiohead para la segunda noche.

“Airbag” sorprende como segundo tema haciendo subir aún más la intensidad. Yorke y compañía han decidido arrancar con fuerza y cimbrar el Foro Sol tras 15 años de ausencia. Con “There, there”  y “All I need” comienza a vislumbrarse la intensidad y los cambios de ritmo y  emociones que van a provocar a lo largo del concierto. Las luces y colores en el escenario ayudan a hacer juego completo de la experiencia.  “¡Jonny, Jonny!” corean los de adelante. Emilio jura que  hicieron sonrojar a Jonny Greenwood.

Mención aparte merece “Nude”; ejecución magistral, puso a más de uno con el corazón en la mano, “esa canción te hace amar a quien hace unos minutos odiabas”, comenta una asistente al concierto. Una Luna roja parece asomarse entre la nublada noche.

“Weird fishes”, de las más coreadas. Ya aquello era una fiesta; el público estaba a merced de los ingleses, no era para menos.

“National Anthem” hace ponerse de pie a todos, incluso a quienes les empezaba a hacer estragos la insolada del juego de Pumas o la espera de horas antes del concierto. Aunque esta ejecución fue superada un día después al incluir en esta misma canción sampleos (otros más fans dicen que bajaron una señal de radio en vivo).

“Faust  Arp” de nuevo nos vuelve a poner a todos melancólicos suspirantes para que posteriormente se oiga una ovación pareja con “No surprises”, con la que, paradójicamente, nos tomaron por sorpresa. Ya no bajaría la intensidad, pues siguieron, en este orden, “Jigsaw Falling Into Place”, “Lucky (“¡no no no, no me hagas estoo!” gritan el par de fans a mi lado). “Reckoner”,  “Optimistic”,  “Idioteque” (con un intro que nos hizo bailar, ya sin complejos); por si fuera poco, “Fake Plastic Trees”, las oleadas de olor a mariguana se hacen cada vez más frecuentes. ¡Qué setlist, carajos!

El primer encore.  El público quiere más. Los de arriba corean “Radiohead,  Radiohead”. Abajo ya he visto pasar varios vasos volando, derramando algún líquido. “¡Ahí va el agua!”

Después de la pausa, regresan con “Videotape” y sí, es verdad, se arrancan con una esperada  “Paranoid Android” que sacude a simples mortales, fans y ultrafans. Da tiempo hasta de bailar un poco de slam o hacerle al cuento.  Le sigue una nueva favorita: “House of cards”, interpretada con mucho feeling (I don’t want to be your friend, I just want to be your lover, no matter how it ends, no matter how it starts).  Momento para darse cuenta que los ojos rojos no son producto de la rinitis alérgica, de la contaminación ni de la resequedad de la fría noche.  Aún no me recuperaba cuando comienza a escucharse el arpegeo de “My iron lung”, la favorita (mía). Momento cumbre, piel china. Hora de cantar y brincar sin parar y recordar los melancólicos noventas (Faith, you’re driving me away, you do it everyday, you don’t mean it but it hurts like hell). Cuando regreso de la Tierra del Chocolate  volteo a ver a los demás, pero todos parecen estar atónitos ante lo que oyen y ven. Hasta ahora todo ha sido perfecto – les digo- . El “no mames, no mames” de los compañeros de junto se hace ya casi sistemático y es que la selección de temas no nos ha dejado descansar un momento. Prueba de ello fue la siguiente canción: “Street Spirit (fade out)”, himno del disco “The bends”.

11.40 p.m. Segundo encore. Hora de tomar aire. Algunos dudan sobre si regresarán al escenario. Otros de la sección General B, aprovechan para comenzar a salir del Foro,  pues el metro sólo funcionará hasta las 12:00 a.m.

Vuelven, y en forma de “Pyramid Song”.  Para dejar huella (más),  lanzan  cordel y anzuelo  hacia otra fibra sensible del pasado: “Just”. En ese momento quizá era mucha la mariguana que nos había llegado de abajo o en verdad la banda había logrado conectarse por completo con todos los asistentes (o eso parecía). Era frecuente ver sonrisas entre desconocidos y esa extraña sensación de hermandad quizá propia de los lugares más recónditos de la sección naranja B.

Como todo ciclo en la vida, deciden cerrar una noche inolvidable dejando todas las emociones en su lugar (“Everything is in right place”) en este caso dejando todo listo para el siguiente día. Con la difícil tarea de superar lo hecho en un excelente primer concierto, cargado de emotividad y esa sensación de que alguien ha jugado con tu alma.

Segundo round.

“¿Y estos son los lugares VIP?” fue lo primero que pensamos Wilberth y yo al llegar a unos lugares en las gradas, lejos. Un concierto muy diferente (no menos bueno que el primero). Visto desde otro ángulo,  más cerca pero en otro ambiente,  unos fans más elitistas, ahora en medio de dos ultrafans. Fui yo el que se aventó la puntada de decirle a Wilt que éste era un concierto para verdaderos fans (no me considero uno) al percatarme que me era más difícil identificar canciones que en el primero y darme cuenta de que se trataba de un setlist muy diferente, lo cual me pareció más que bien. Aún uno de los megafans a mi lado no lograba identificar con precisión las rolas con el sonar de las primeras notas y confundió una que otra.

Foto: Wiberth Herrera. Desde la mentada zona VIP

Para el segundo concierto variaron desde el inicio. La primera novedad vino de la mano de  “Kid A”, seguida de un coro de 55 mil personas a la voz de “Karma Police”, emblema de la banda y que tantos referentes ha dado a los amigos.

Un poco más adelante, apareció la cruda “Talk show host” y  “You and whose army” a la que Wilt me ayudó a entender la letra para disfrutarla mejor.  Un punto cumbre sin duda fue “Jigsaw falling into place” que nos puso a todos a brincar. Nuevamente comenzó a correr a los alrededores el olor a hierba.

Si alguien quedó insatisfecho con el setlist del primer concierto, seguramente fue retribuido en el segundo con pesos pesados como “Climbing up the walls”, “How to disappear completely” (para verdaderos fans, con todo y explicación de Wilberth del origen de la rola) y, por supuesto, “The Bends” que hizo estallar en euforia a los nostálgicos.

Quizá uno de los momentos que más serán recordados y debatidos de este segundo round  fue cuando interpretaron la versión “fallida” de “Exit music (for a film)”, en donde decidieron interrumpir dos veces la canción; la segunda, de manera definitiva con un  Thom Yorke explicando: “la dejamos para después”.  Algunos aseguran que sí se equivocaron; otros afirman que fue una broma que ya habían hecho en otros conciertos.  Quise pensar que decidieron apelar a lo dicho por Gwyneth Paltrow  al presentarlos en la entrega de los Grammy: “Con ustedes: una banda que nunca se equivoca”.

Además de “Dollars and Cents” y “Like Spinning Plates”  en la parte final del concierto, la verdadera sorpresa fue, desde luego, “Creep” que provocó que todos se vieran a la cara para decirse “¡no puede ser, no puede ser! Aún quienes -antes del concierto- pedían que no la tocaran, la cantaron como en las épocas de la prepa. No pudo ser sino emotivo el momento. Pensé que los de la banda quizá habían visto la reseña del diario Reforma en donde mencionaban que no habían tocado “la canción con la que se dieron a conocer en México”.  Agarró a todos por sorpresa, menos a Wilberth, quien segundos antes dijo en el inter “van a tocar Creep” porque la habían tocado en España y en Chile días antes. (Lo curioso fue que Radiohead aún no se había presentado en Chile). Ya no supe a quién creerle pues, entre la euforia, Emilio comenzó a gritar que no la tocaban desde hacía 10 años (días después le bajó a 8).  Como anécdota, al escucharse los primeros acordes de “Creep” pude ver levantarse con mucho esfuerzo a un asistente que, a medio concierto, había desfallecido debido a una baja de presión por la “emoción” y a quien sus amigos no habían podido hacer reaccionar con nada. Ver su cara de incredulidad mientras intentaba ponerse de pie me hizo pensar que estábamos presenciando un momento único de la última gran banda sobre la tierra.

Video del momento de “Creep”

Al final, la avalancha de gente abandonando el Foro Sol, la mayoría con una sonrisa de satisfacción en sus caras. No alarms and no surprises.

Setlist Concierto 1

1. 15 Step
2. Airbag
3. There There
4. All I Need
5. Nude
6. Weird Fishes/Arpeggi
7. The Gloaming
8. National Anthem
9.  Faust Arp
10. No Surprises
11. Jigsaw Falling Into Place
12. Lucky
13. Reckoner
14. Optimistic
15. Idioteque
16. Fake Plastic Trees
17. Bodysnatchers

Pausa 1:

18. Videotape
19. Paranoid Android
20. House of Cards
21. My Iron Lung
22. Street Spirit (fade out)

       Pausa 2:

23. Pyramid Song
24.- Just
25. Everything Its Right Place

           Setlist  Concierto 2

01. 15 Steps
02. There there
03. The National Anthem
04. All I Need
05. Kid A
06. Karma Police
07. Nude
08. Weird Fishes/Arpeggi
09. The Gloaming
10. Talk Show Host
11. Videotape
12. You and Whose Army?
13. Jigsaw falling into Place
14. Idioteque
15. Climbing up the Walls
16. Exit Music (For a Film)
17. Bodysnatchers

       Pausa 1:

18. How to Disappear Completely
19. Paranoid Android
20. Dollars and Cents
21. The Bends
22. Everything in Its Right Place

Pausa 2:

23. Like Spinning Plates
24. Reckoner
25. Creep

Comentarios y  frases:

Al vapor:

“Qué cosa la de hoy, es lo más mágico que he visto en la vida después de coger mujeres. ¡Qué setlist! Los vi a 4 metros, literalmente”.

(E.N.P.) Asistente en la sección general A, saliendo del primer concierto.

“Un concierto que abre la conciencia por dos puertas. Ejecución perfecta y show visual importante” (15/03/09).  Ericel Vásquez, Diálogos Postmodernos.

"¡No mames, lo imposible sucedió, lo imposible sucedióooo!" (gritando mientras lloraba, cuando tocaban “Creep”). Gabriela Aguilar, Diálogos Postmodernos.

“¡Wow!, la vida. El mejor concierto por mucho. Grandes Yorke y compañía. No hay quejas, sólo agradecimientos. Para mí, un necesario e inusual (spring) break: D.f., los cuates, mercancía pirata y Radiohead. ¿Qué más quieres en la vida?”

 Fernando Manzanilla, Diálogos Postmodernos.

Ya más digerido:

Lunes: la increíble sensación de estar en un momento único y que después cuando leyeras las reseñas de los periódicos no dieras crédito de que estuviste ahí, bailando "Idioteque" o lloriqueando porque "Karma Police" te tomó por sorpresa (como nos toma el amor, el coraje o la tragedia). Y cada nueva canción corroborar que escuchabas a -quizás y solo quizás- la mejor banda sobre la tierra y que no los veías a destiempo o siendo tú y ellos unos viejos de mierda, sino verlos ahí en el escenario, en estado de gracia (ambos, tú, ellos, hasta el tipo de al lado que te prestó los binoculares o el que encendió el primer cigarro de mota). Entonces comprendes que la música a veces llega como un marcatexto sobre las líneas de nuestra biografía. Y no olvides esa fecha: 16 de marzo de 2009.

Eduardo Huchín, Tediósfera y Pildorita de la Felicidad.

*Nota: Para una reseña completa del segundo concierto y desde otro ángulo, dale click al siguiente enlace:  http://pildoritadelafelicidad.blogspot.com/2009/03/radiohead-solo-porque-lo-sientes.html

Foto: www.radiohead.com

En estos tiempos electorales, el bombardeo que nos hacen cada día con los discursos de la democracia es avasallador. Docenas de spots cada día para convencernos que vivimos en ella, que tachar una boleta con el nombre de un candidato nos hace partícipes de decisiones que nos competen y en las que participamos.

 Una Niña que no sabe decir "sin privatización" (¿será un mensaje subliminal para reconocer que somos como niños también y que no entendemos nada de nada?) nos enseña que gracias al PRD el petróleo sigue siendo nuestro (cuando llegue a su casa un cheque con un porcentaje de las ganancias de Pemex me avisan, por favor);a  Lucerito (sí, sí, la de chispita, la del guarura saca pistola, la del teletón) nunca le alcanza el tiempo para contarnos lo que Peña Nieto hace por los mexiquenses, mientras sus compañeritos nos tratan de  convencer que PRImero (ellos) nosotros; los panistas, a 2 cuadros, nos muestran el antes y el ahora de un país que mejora cada día (¿ven por qué la teoría del desarrollo es taaaan discutible?); los del PSD, con su candidata de Big Brother piden la legalización de las drogas para terminar con la violencia (llámenme tarado, pero la relación no es directa y no necesariamente funcional); los del verde, regresando a la máxima del ojo por ojo, tienen un slogan para la Historia, "Porque nos interesa tu vida, muerte a secuestradores", supongo que llevaron su sentido ecológico a su máxima expresión, además prometen que el gobierno pagará por tus clases de computación y de inglés (¿se acuerdan de Labastida? ¡Cuánto hemos evolucionado!); y Mr. Peje tratando de rescatar los restos del naufragio con su "proyecto de nación" (¿la no reelección aplicará también para presidentes electos?); y si alguien tiene noticias de Nueva Alianza háganlo saber. Por su parte, el IFE nos cuenta la historia de nuestra evolución ciudadana y nos trata de convencer del poder de nuestro voto.

Los profetas de la economía nos llenan con un discurso de la solidez ante la crisis financiera mundial y nuestras posibilidades de desarrollo. El poder mesiánico de Obama comienza a desvanecerse y a enfrentarse a la realidad de un mundo por demás caótico y desesperanzador.  Y entre eso estamos todos.

Los griegos que, como se sabe, inventaron la democracia, se reunían en pequeñas asambleas para elegir a sus representantes, así que los elegidos eran, por lo menos, conocidos de todos. En la actualidad, a causa de la explosión demográfica, esto parece casi imposible y nos conformamos con elegir entre el hijo del hijo del hijo del general condecorado de una revolución casi centenaria o el sobrino del hijo del sobrino del presidente de los 50’s. Todos ellos finísimas personas, que son los únicos que saben el cómo, el qué y el por qué de un discurso adormecedor que no nos conduce demasiado lejos.

En tanto, 40 millones de sujetos no aprenderán nunca a decir sin privatización y seguirán siendo el antes de un spot televisivo. Los otros 60 tratando de creer que en el discurso democrático se encuentra la respuesta a nuestras quejas cotidianas. Y cuando todo pase, cuando millones de pesos se hayan derrochado en convencernos, cuando en 3 años nos repitan el discurso de hace 3 y de hace 6 y de hace 12 y de hace 24 para volver a formarnos en la fila por otros 3, por otros 6, por otros 12, por otros 24, estaría interesante preguntarnos si todo esto nos sirvió de algo, de un poquito aunque sea.

 ^* Dedicado a mi hermano Ericel, con quien comparto los discos, pero ya no los gustos desde hace 20 años

Es un privilegio para los coleccionistas de emociones, estos locos que hacemos de la apreciación estética un viaje al interior y que, en honor a la verdad, es más hacia nuestro propio interior que al del artista que entonces de tan íntimo se hace desconocido y la mejor forma de apreciarle es a través de su obra.

Track 01

En la pintura, los ejemplos más claros –para mí- son los de Diego Rivera y Pablo Picasso. En el primer caso, su obra de caballete es tan alegre, tan nuestra, tan mexicana, que nos da una impresión clara de su momento y del carácter tradicionalista del revolucionario pintor y su obra mural es un seguimiento histórico de su ideología; sí, el monstruo era comunista, pero terminó siempre por pintar para el Estado autoritario emanado de la revolución de los caudillos.

En el caso de Picasso, el asunto es más diverso aún, en sus primeras etapas con sus juegos de colores y escenas de un estatus quo decadente (del cual el periodo azul es magistral), el advenimiento de los ismos y la tauromaquia… Picasso maduró y su pintura se hace más profunda, no nada más en lo técnico –de lo cual pocos argumentos tengo para juzgarle- sino en lo expresivo y lo emotivo.

Track 02

En la música pasa lo mismo: en el rock y en el pop. Para apreciar al artista, su nacimiento, su desarrollo y su decadencia. Hay algunos que dejan de crecer y viven cómodamente de sus rentas (pensemos en U2, por ejemplo) y otros que cambian su discurso, pero no su sonido. Vamos a los ejemplos.

Track 03

Index 01: Sabina

Hay en la obra de Joaquín Sabina un muestrario de esencias pútridas y al mismo tiempo magnéticas. Sabina es un brujo que ha seducido a los hispanoparlantes con lo más bajo de la naturaleza humana: la desesperanza, el desconsuelo, el desamparo, el desamor… se traducen en canciones crudas, que han crecido, de sus listados de la cotidianidad en “Inventario”, a su rock pop conciente en “Ruleta rusa”, pasando por su condescendencia con el stablishment en “Física y Química”, al punto de ruptura en “19 días y 500 noches”, así como su renacimiento como poeta en “Alivio de luto”.

Sabina crece y se contradice, se desdice y se afirma “No me gusta recurrir a la autobiografía, pero inevitablemente tiendo a hablar de mí”, dijo en una entrevista a la televisión mexicana en su gira de 2002. Es pues, fácil engancharse con sus canciones de los tardíos ochenta y de ahí seguirle. Dudo que a un adolescente (por friki que sea) le pueda gustar si escucha “Diario de un peatón”, por ejemplo. Hay que escuchar su discografía, que es coja de inicio, pero se recupera de tal forma que uno puede escuchar tres discos seguidos y cantarle todo (aguas, con ese ejercicio, a menos que usted sea afecto a emborracharse con mezcal blanco o de plano tenga ojos secos, muy secos).

Index 02: The Beatles, The Police y Mecano

Existe cierto paralelismo entre estos tres que son diez. Primero porque sus discografías son cortas, pero no necesitaban de más tiempo, vaya, 10 años, en promedio, fueron suficientes para desarrollarse como músicos, compositores e intérpretes.

Otra coincidencia es que sus primeros discos (tres en los Beatles, dos en Police y Mecano) son atractivos, pero muy convencionales en género y estilo, el boom, lo que los hizo las bandas más representativas de su tiempo; fue abrir la caja de Pandora de tal forma que nadie se dio cuenta en qué momento habían alcanzado a transformarlo todo. Y lo mejor es que a partir de ese momento sus discos no tienen desperdicio, ahí, incluso puedo referir lo que pasó con Soda Stereo o Nirvana.

The Beatles fueron un fenómeno comercial, el primero de la música pop, los caballeros miembros del Imperio Británico consideraron que había que dar un pasito adelante que los alejara de las tonadillas pegajosas que los llevaron  por Europa entera y les dieron casas, coches, mujeres y hierba. Y optaron por experimentar… por ser referentes (luego fueron rebasados) tras ese experimento que significó su pináculo, “Sgt. Pepper Lonely Heart Club Band” su etapa decadente fue muy decente y decía mucho de ellos como artistas –sí, que se estaban conflictuando de lo lindo-.

Con The Police, pasó lo contrario, emergieron del underground británico  para navegar contracorriente (no fueron una banda punk, ni disco, ni heavy metal) y aprovechar los sonidos del momento, para después producir su propio sonido, “Ghost in the machine” culminó el trabajo de tres discos anteriores, necesarios además, y dio pie a lo que le pudimos escuchar en “Synchronicity” -¡ah! y ellos estuvieron en conflicto permanente-.

Y Mecano, parecía, una banda plástica. Pero tras “Ahí viene el sol” nos dimos una idea de lo que sucedería después. La trilogía perfecta de la música pop en español con discos que establecían una secuencia lógica. Una evolución en la música de Nacho, las letras de José María y el estilo de Ana. “Entre el cielo y el suelo”; “Descanso dominical” y “Aidalai”. Nos deja claro el rumbo de la banda. Curiosamente, y al igual que The Police, se retiraron a tiempo, así que desde mi punto de vista no existió un periodo decadente en su discografía.

Hay mucho más que decir del tema, pero lo haré la próxima semana. Pásenla bien.

Bonus Track

Me enteré vía joaquinsabina.net que el estreno del nuevo disco (y su posterior gira) de don Joaquín Sabina se retrasará hasta el próximo otoño. El genio de Úbeda nos trae huérfanos de sus canciones (que no de sus versos) desde hace tres años. La nota completa en: http://www.joaquinsabina.net/tag/nuevo-disco/